百老汇沉浸式剧院的历史

　　

　　

　　如果你和任何一位戏剧艺术家交谈，他们会告诉你，观众是任何戏剧作品的最终组成部分。毕竟，没有观众的见证，就没有戏剧。但在这一季的纽约，一些节目比以往更重视观众。在短暂的《爱在这里》中，观众们与伊梅尔达·马科斯(Imelda Marcos)一起跳线舞，并在她上台时大声欢呼。今年4月，百老汇复兴的卡巴莱(Cabaret)将开始演出;它承诺将把参观者带回到20世纪30年代的魏玛德国，包括晚餐、互动表演前，以及完全重新设计的奥古斯特威尔逊剧院的内部。

　　在百老汇之外，《猫》的复兴表面上将让观众沉浸在舞会文化中。最初的版本可能有猫沿着过道走来，感动了观众，但这次复兴承诺有360度的小丑魅力。

　　所有这些作品的共同点是，它们都是大规模的沉浸式戏剧，这在纽约相对罕见。

　　

　　沉浸式戏剧可以定义为任何直接吸引观众的戏剧体验，将他们完全封闭在表演的世界中。在这一流派中有不同类型的作品。当沉浸式戏剧在非戏剧空间中表演时，它被称为特定场景戏剧——比如托尼奖得主露丝·安·迈尔斯在真实法庭中扮演的法官。在演员直接与观众互动，有时甚至触摸观众的表演中，这被认为是观众参与式的戏剧——比如在长期热播的《不再沉睡》中，观众在切尔西一栋建筑的六层楼里跟随麦克白的角色。

　　有些节目可以有吸引观众的元素，但并不完全让人身临其境——比如在百老汇的《洛奇》中，拳击台移到了观众中间，在《回到未来》中，德罗宁汽车飞进了观众的房间，或者在2014年的卡巴莱复兴中，Studio 54的管弦乐部分的前半部分被移除了，取而代之的是咖啡馆的桌子。但在这些节目中，除了这些单独的元素，第四堵墙仍然完好无损。

　　将近13年的《Sleep No More》(4月28日最后一场演出)可以说在纽约掀起了一股沉浸式的热潮，在那里，似乎每年都有一部新的演出在非剧院环境中上演(酒吧是一个特别受欢迎的场所，因为它们是许多纽约人事实上的第三空间)。

　　但沉浸式戏剧的根源可以追溯到更远的地方。第一种类型的戏剧，宗教仪式和故事圈，任何人都可以参与并为故事做出贡献。今天，在许多非西方和土著传统中，那些讲故事的平等主义做法仍然存在。沉浸式戏剧还借鉴了能剧、艺术喜剧、被压迫者戏剧的叙事实践，这些传统是直接承认观众，或者根据观众的意见创作(或现场修改)节目。

　　在美国本土，沉浸式戏剧最初是伍斯特集团(Wooster Group)等非百老汇实验戏剧公司的活动范围。即使在今天，这种类型的戏剧在百老汇以外和外外都很常见，在那里，在非戏剧空间表演或者把一个黑盒子剧院变成一个包罗万象的环境更容易。

　　百老汇也有不少沉浸式戏剧，尽管很少。可以说，百老汇的第一部沉浸式演出是1972年的《Dude》，由Hair的创作者杰罗姆·拉格尼和高尔特·麦克德莫特(Galt MacDermot)创作。为了演出《亚当和夏娃》，百老汇剧院被彻底掏空了。布景设计师尤金·李(Eugene Lee)设计了一个圆形的表演空间——一个像马戏团一样的舞台，位于中心，四面八方都有观众。表演者在环的中心，在塑料污垢的地面上，由于一系列的t台和t台从环中延伸出来，他们也在观众中表演。

　　管弦乐队也包围了观众，音乐总监托马斯·皮尔森(Thomas Pierson)在距观众头顶100英尺的座位上指挥。据《纽约时报》报道，在演出混乱的排练过程中，Ragni想让演出更加身临其境，他建议向观众释放真正的蝴蝶、猪和鸡。

　　这个节目绝对是一次实验。它是短暂的;那家伙只跑了16场预演和16场正式演出。

　　有趣的是，在那之后的几年里，百老汇剧院已经两次被拆除，为沉浸式的戏剧制作让路:1974年，李安为伦纳德·伯恩斯坦(Leonard Bernstine)的《老实人》(Candide)的复兴设计了多层布景。然后在2023年，大卫·伯恩(David Byrne)的伊梅尔达·马科斯(Imelda Marcos)的迪斯科音乐剧《爱在这里》(Here Lies Love)中，管弦乐队的座位被拆除，创造了一个俱乐部环境，观众可以站着和演员一起跳舞，整个剧院都播放了视频。

　　沉浸式戏剧一直是戏剧艺术家重新定义演员和观众之间关系的一种方式。“我一直喜欢演员和观众混在一起的剧院，”已故的尤金·李在2018年谈到《老实人》时对《Playbill》说。“整个布景是由小空间组成的:一端是前台舞台，另一端是推力舞台，中间是一个小平台，所有东西都由坡道和桥梁连接起来。让这个冒险故事成为剧院里真实的冒险故事真是太有趣了。那些不得不唱那首歌并在剧院里跑来跑去的演员真的很累。”

　　不幸的是，在百老汇，在舞台上表演是一项具有挑战性且昂贵的努力。

　　

　　对百老汇来说，沉浸感总是更具挑战性。一些在伦敦西区上演的让人沉浸其中的演出，在搬到美国后就去掉了更多的互动元素——比如1987年的《星光快车》(Starlight Express)，它去掉了表演者在观众席上绕着观众滑冰的元素。

　　这是因为除了相对较年轻的广场剧院外，百老汇剧院的历史接近100年。这意味着演出场地通常是在一个华丽的镀金大厅里，有一个前台舞台，座位固定在地板上;座位配置很难改变，周围的房屋装饰也很难改造以适应这场演出。除了两条通道，演员和观众互动的机会有限。用《爱在这里》制片人克林特·拉莫斯(Clint Ramos)的话来说，在百老汇创造一种身临其境的体验，就是“强行将一个空间变成你想要的样子”。

　　2016年的电视剧《娜塔莎、皮埃尔和1812年的大彗星》就是一个很好的例子。戴夫·马洛伊(Dave Malloy)的音乐剧不仅重新设计了帝国剧院的舞台和管弦乐队部分，还重新设计了大厅和观众入口，因此登上了头条。

　　因为这部剧(根据《战争与和平》改编)的概念是在一个帝国风格的俄罗斯晚餐俱乐部演出，所以创作团队在舞台上设计了一个多层布景，里面有咖啡桌，观众可以坐在那里(还可以在演出提供的馅饼上吃零食)。管弦乐队里也有表演平台。

　　当观众进入剧院时，他们穿过一个冷战风格的俄罗斯掩体，然后进入天鹅绒覆盖的游戏空间。当时的布景设计师Mimi Lien对《Interval》说:“这部作品的第一句台词就是‘外面正在打仗’，对吧?你穿过了这个地堡大厅。那里很冷，还有荧光灯，感觉就像苏联的地堡。然后你走进来，我真的希望走进来的那一刻是有影响力的。这种温暖、郁郁葱葱、华丽的茧状空间的感觉对我们来说非常重要，所以我们一直坚持着这一点。”

　　这是一个雄心勃勃，大胆的愿景，为百老汇的观众创造多感官体验，模糊第四堵墙，让观众意识到我们在剧中扮演的角色。但它也非常昂贵。据《百老汇日报》(Broadway Journal)报道，奥古斯特·威尔逊剧院(August Wilson Theatre)的翻修耗资940万美元(整部剧的投资为2600万美元)。其中一项修复是创造一个圆形的表演空间和一个让人想起魏玛时代德国的内部空间(在伦敦西区，包括带旋转电话的咖啡桌和后表现主义风格的壁画)。

　　这一切可能看起来有点过分，但这实际上是对约翰·坎德和弗雷德·埃布最初对这部剧的设想的回归。坎德在2021年接受《卫报》采访时表示:“我们在写剧本的时候就讨论过是否要把整部剧放进奇巧巧克力俱乐部。”

　　但除了艺术上的大胆，这些之前出现的大型沉浸式演出也有助于在2024年将戏剧作为一种艺术形式。在一个人与人之间的互动都是通过屏幕来实现的时代，戏剧艺术家们正在通过承诺不仅仅是一场表演，而是一种体验来吸引观众。一分钟长的TikTok视频在你看完后会从你的脑海中消失。但是，一场演员教你如何排舞的演出，或者当你感觉自己的身体被运送到另一个时空时，这是未来几十年都会记住的事情。这是一种只能在现场，在剧院里发生的事情。

　　正如《卡巴莱》导演丽贝卡?弗莱克诺尔(Rebecca Frecknall)所说:“舞台前的拱门有点棘手，因为你会觉得自己是在透过取景器观看。”在这个领域工作的有趣之处在于，它是如此直接。观众们和演员们在一起，你可以把更多的当代线索拉出来。作品中有如此多的颜色，人们会以不同的方式解读它。你不是在看另一个时代房间的照片。”